Lille database hvor filmindtryk finder udtryk, og refleksioner artikuleres.
(Med ujævne mellemrum desuden Danmarks bedste anmeldelser baseret på filmplakater og dvd-covers)
OBS: Jeg afslører næsten altid slutningen.

torsdag den 27. november 2008

Kammesjukjul - en lille juleperle




Kammesjukjul (1978)

Instruktion: Niels Malmros
Manuskript: Niels Malmros

Kammesjukjul er muligvis lavet med en deadline (det er nu engang en julefilm, og den slags er en anelse sæsonorienterede); i så fald mærkes det ikke. Filmen er, som så mange andre af Malmroser, holdt i et skønt langsomt tempo, der sætter sig i kroppen på tilskueren, og fungerer som det perfekte ”beat” til de ærkeårhusianske replikker.

Filmen handler om børn og er lavet med børnene i øjenhøjde, i bogstaveligste forstand er kameraet overvejende placeret i børnehøjde. Farshad Kholgi har engang beskrevet sit første møde med Malmros, som en forrygende oplevelse; så velkendte var pubertetsproblemerne i Kundskabens Træ, at replikkerne for Farshad lød som persisk! En lignende effekt opnår Malmros med Kammesjukjul. Vi er på niveau med børnene og historien fortælles gennem børnene. Et kneb der lader tilskueren forføres tilbage til sin egen barndom. Man ser ikke så meget tilbage på barndommens verden og problemer, som man direkte gen(op)lever dem!

En flot præstation, via hvilken vi får leveret en sød lille historie om Lasse, der vil holde en juletræsfest i sin kælder for 3 af sine venner. Vi følger ham og hans bedste vens forberedelser, hvor de bl.a. stjæler en lyskæde og et klokkespil (sidstnævnte i en morsom stormagasins-scene med en ung Søren Pilmark i fuld galop efter de unge banditter). Man mærker at filmen er lavet i sluthalvfjerdserne. Der er meget brunt, og da træet skal dekoreres med bordbombekonfetti, opdager drengene, at de har fået fat i bomber ”til eksport”, der kun indeholder sovjetflag. Alligevel er barndom et universelt og tidløst vilkår. Vi introduceres for klassiske problematikker, som at skælde sine venner ud, at holde på hemmeligheder, og at have en irriterende ”sjofel” ældre ”ven”.

Går De uden om denne kortfilmsperle snydes kun Dem selv!
Her er tale om en genial julegaveidé.

Trainspotting - en fremragende ungdomsfilm





Trainspotting (1996)

Instruktør: Danny Boyle
Manuskript: John Hodge baseret på Irvine Welshs roman

Jeg indfinder mig i det store matematikaudtitorium og gennemfår det lille førfilmsritual, jeg har etableret. Først tager jeg en slurk af min kølige øl, så tager jeg en kuglepen frem og skriver filmens navn og dags dato på min billets bagside. Endelig kigger jeg hurtigt på det udleverede informationsmateriale, før jeg omhyggeligt pakker det ned i min mappe. Jeg fik før filmen en lille sludder med øl/billet-sælgeren. Han smiler altid når han ser mig, og må opfatte mig som en slags stamkunde. Jeg kan ikke dy mig og spørger ind til filmklubbens gode gamle dage. Storhedstiden var i 80erne – en dag havde de haft 700 betalende gæster! I dag er vi 4 i salen, plus 3 medarbejdere. Jeg bemærker at det da ellers er lidt af en nyklassiker, der burde sælge billetter, Trainspotting. Sådan har jeg altid tænkt om den, siden jeg i mine endnu yngre dage købte DVD-deluxe-udgaven. På én gang glæder jeg mig til at se den på et lærred for første gang. Samtidig er jeg lidt ræd for, at filmen ikke vil fremstå helt så klog og frisk for mig nu, som for 5 år siden. I mellemtiden er jeg blevet en del ældre og har set en del flere film. Billetmanden så den i biffen da den udkom, i Palads (nu Metropol), men brød sig ikke spor om den, fortæller han.

Filmen starter lige på og hårdt, den klassiske åbningsscene (cold open, ingen credits i øvrigt, men meget warm i dette tilfælde) hvor hovedpersonen Mark Renton løber fra politiet i en lille by i Skotland, til tonerne af Iggy Pops punkperle ”Lust For Life”. Scenen er fyldt med energi og beriges af Marks rytmiske spoken-word-agtige monolog om det småborgerskab han illusioner nærer om, og som vi forstår han fravælger. "Choose life. Choose a job. Choose a career. Choose a family. Choose a fucking big television, Choose washing machines, cars, compact disc players, and electrical tin openers...". Svadaen fortsætter og Mark konstaterer i næste scene: ”I choose not to choose life. I chose something else. And the reasons? There are no reasons. Who needs reasons when you've got heroin?”

Voice-overen er gennemgående i filmen, ”don't just show it: tell it!” er mantraet. Det fortælles til gengæld på et både charmerende og velskrevet skotsk, replikken er skarp og pointerne sjove og hurtige. Derudover bliver der også vist (og ikke sprogligt fortalt) meget i filmen. I én herlig scene dykker Mark ned i Skotlands værste lokum efter et par opiums-stikpiller. Vi følger ham mens han svømmer rundt i (en syredrøm om) toiletkummens uendelige ocean. I en anden scene overdoser Mark til lyden af Lou Reeds ”Perfect Day”, han synker direkte ned gennem gulvet i en pushers lejlighed, og vi følger hans tur på hospitalet delvist fra Marks POV, dvs. med gulvtæppe i højre og venstre side af billedet. Filmen er hurtigt klippet, med masser af friske finesser som senere blev taget op af Guy Ritchie i dennes Lock, Stock og Snatch. Derudover skildres livet på bunden indfølt, som i den væmmelige og uafrystelige scene, hvor Mark har forfærdelige hallucinationer i sin barndomsscene.

Filmen er på én gang en advarsel mod og en hyldest til den rodløse, antiautoritære, punk, fuck-all livssti/attitude. Handlingen er måske la-la, og personerne er (fremragende) karikaturer, der ikke udvikler sig, men Trainspotting er alligevel en fremragende ungdomsfilm. Den er fræk, sjov, frisk, filmmæssigt kreativ og grundlæggende sympatisk. Og så har den et så godt soundtrack, at der blev udgivet 2 styks! Det sidste per request.


The Wind That Shakes The Barley - sådan laver man en politisk film





The Wind That Shakes The Barley (2006)

Instruktør: Ken Loach
Manuskript: Paul Laverty

Et småtåget grønt og gråt irsk landskab, en flok bønder spiller hurling, en irsk variant of hockey. En fin scene der åbner filmen og langsomt og roligt skildrer et miljø. Vi møder irerne i øjenhøjde og fatter lynhurtigt sympati. Der er ikke megen handling, men vi får introduceret nogle personer, bl.a. hovedpersonen Damien (Cillian Murphy), der skal til London og arbejde som læge. Som tilskuere drages vi ind i denne hyggelige verden, Irland ca. 1920.

Men så, med ét, erstattes hyggen af en ubehagelig uro. De unge mænd er nået hjem til en gård. De står og snakker, men pludselig løbes de over ende af en flok udbehøvlede engelske soldater, anført af en djævelsk officer. Irerne chikaneres og ydmyges af de engelske soldater, der åbenlyst ringeagter dem. Officeren er særligt slem i sin hån og tvinger dem til at tage deres tøj af. Da en af dem nægter slæbes han ind i hønsehuset og tæves ihjel.

Den slags ture får vi afskillige af i Ken Loachs nøgterne og ubarmhjertige historiske film om IRAs kamp for et selvstændigt Irland. Først lokkes publikum til at føle sig trygge, eller til at reflektere sig langt væk intellektuelt. Det er så veludført rent filmteknisk at det er svært at undgå at forføres. Og så klapper fælden, så meget desto hårdere fordi man ikke var forberedt. Ken Loach er en instruktør der gang på gang formår at give mig mavepine. Samtidig er filmen så realistisk, at man under filmen sjældent får lejlighed til at løsrive sig fra historien og forholde sig til filmen som film.

Men hvilken historie! Ikke bare velfortalt og realistisk, men storartet tragisk og af imponerende politisk relevans. Vi følger Damien der opgiver lægehvervet til fordel for aktiv deltagelse i den irske modstandskamp. De britiske soldaters overgreb på den irske civilbefolkning udstilles, så vi kun kan holde med IRA. Men hvem mener egentlig, af et ærligt hjerte, at fortidens kolonimagter kan forsvares? Vi følger Damiens udvikling. Vi er med når der sejres, når mistes, når der træffes hårde valg. Væsentlig er også skildringen af det, der lader til at være IRAs endelige sejr. Først festes der, så underskrives freds/fristats-aftalen. Så forstår vi, og modstandskæmperne, at Irland ikke opnår absolut selvstændighed, men skal fungere som selvstændig stat under Storbritannien og i øvrigt deles i to. Her trækker Loach sit sidste es, modelleret over samme dramaturgiske skema som ovenfor omtalt: endelig tror vi os sikre, sejren er i hus, vi hviler os og kontemplerer – men før vi ved af det står vi i en værre situation end nogensinde! I filmen spilles Damien ud mod sin bror, den tidligere lokale IRA-leder, der vælger at støtte fristatsløsningen. De går en uundgåelig tragedie i møde på slagmarken, den ene som IRA-partisaner, den anden som fristatsofficer.

Men Loach er ikke bare historiefortæller: han er en venstreorienteret englænder, der støtter en tostatsløsning i Israel/Palæstina-konflikten og forholder sig meget kritisk til Israels politik. Problemstillingen i The Wind That Shakes The Barley er oplagt relevant i den forbindelse. Også med henblik på krigen i Irak. Er frihedskæmperne (hvis de er det?) i Irak virkelig de onde? I nyhederne præsenteres Shia- og Sunnimilitserne altid som nogle ærgerlige ballademagere, der saboterer freds- og demokratiprojektet. Så enkel er virkeligheden næppe (amerikanske soldaters overgreb på civile irakere er velkendte).

Jeg aner hverken hvad man må eller skal gøre mod en besættelsesmagt, jeg ved ikke om krig for fred er ligeså frugtesløst som hor for jomfruelighed. Jeg ved at Al-Qaeda forsøgte at legitimere angrebene på tvillingetårnene med USA's tilstedeværelse i Arabien. Jeg ved at demokratiets danske forfægter #1, Anders Fogh Rasmussen, beundrer den danske modstandskamp i 40erne.

I filmen opfatter englænderne irerne som intellektuelt underlegne bonderøve og katolske fundamentalister, der har bedst af at blive styret af fornuftige briter. Jeg forestiller mig at et propaganda-apparat må have været iværksat for at få spredt den holdning til de britiske soldater. Soldaterne er (i filmen anyway, men hvem skal jeg ellers spørge?) så fokuserede på det billede af ”ireren”, de har fået formidlet, at de slet ikke kan se menneskene foran dem. Kolonimagtens struktur, militærets struktur, kræver at fjenden og de koloniserede umenneskeliggøres. De reduceres til abstraktioner som ”kultur” uden hensyn til, at en kultur aldrig er mere end summen af de mennesker, der udgør den. Loach viser ikke kun de britiske soldaters kynisme, men også den umenneskeliggørelse som IRAs indre logik nødvendigvis må medføre. Partisanerne bliver gjort blinde overfor de mennesker de står overfor i mødet med britiske soldater – de ser ”lejemordere” hyret af den engelske konge. Der er indført streng militærdisciplin i IRA, soldaterne beordres ind på rad og række, hvorefter der propaganderes specifikt mod de engelske soldater.

Udover grundlæggende problemer med kolonimagter og krig stilles vi over for en mere avanceret problematik: spørgsmålet om positiv vs. negativ frihed. Internt i IRA findes stærke kommunistiske kræfter, der ikke vil anerkende et frit Irland, hvor befolkningen ikke ejer landets produktionsmidler. I filmen citeres en berømt frihedskæmper for, at hvis man indfører republikken uden socialisme, er man lige vidt. På den anden side står pragmatiske IRA-kapitalister, der ikke ser sig for gode til at forsvare de engelske bankmænd, der måske nok udnytter de fattige men samtidig forsyner IRA med våben til den nødvendige frihedskamp.

Da fristatsaftalen gennemføres præsenteres vi for et fantastisk dilemma: skal man gå på kompromis med sine principper til fordel for en fredelig tilværelse? Irerne vil ikke længere støde på aggressive engelske soldater i hverdagen, men de vil ikke have opnået den ønskede principielle frihed og suverænitet. Som filmens idealist/ideolog koldt konstaterer: ”If we ratify this treaty all we change is the accent of the rich and the color of the flag”. Men det var jo strukturen den var gal med! Kan irerne siges at være frie, blot fordi deres handlingsmæssige råderum udvides? Eller kræver frihed at man ikke udbyttes af kapitalister? At man på intet niveau styres af en kolonimagt? Begår IRA samme fejl som briterne, når de dropper den pragmatiske kamp til fordel for en ideologisk kamp? Selv hvis man kun har et overfladisk kendskab til Irlands historie, rives man med af disse spørgsmål.

I den forbindelse er det værd at bemærke, at der (muligvis) findes historier, som ikke kan formidles gennem faglitteraturen. Eksplicit stillingtagen og subjektivitet er således både politiske/historiske films styrke og svaghed. Film og skønlitteratur kan siges at lyve ved at fortælle historier, ved ikke at redegøre for tal, data og fakta. Men tal lyver også, fordi de ikke kan formidle de historier, som irske bedsteforældre kan. Loachs film giver os mulighed for at oprigtigt at engagere os følelsesmæssigt i problemstillinger, vi ofte blot forholder intellektuelt til. Filmen er Loach i sit es: udover at fortælle en medrivende historie stiller den flere interessante spørgsmål, end jeg kan svare på. Jeg anbefaler den varmt.

Play Time af Jacques Tati - en dårlig instruktør




Play Time (1967)

Instruktør: Jacques Tati
Manuskript: Jacques Tati og Jacques Lagrange

Det er ikke sjældent at man med de bedste intentioner kan komme til at gøre noget forkert. Det tager vi hensyn til, når vi skal vurdere vores medmenneskers handlinger. Derfor de faste vendinger: ”Han mente det jo ikke sådan” eller ”hun prøvede bare at hjælpe”. En klassiker er også ”han vidste ikke hvad han lavede”. Det kan man ikke sige om Tati, jeg er overbevist om at han har været sig sin vision ganske bevidst. Alligevel skal man være en utroligt overbærende biografgænger for helt at holde af Play Time. Filmens eneste kvaliteter ligger nemlig i de intentioner og ideer, der ligger bagved den mislykkede filmiske udførelse. Dem kan vi regne ud, dem kan vi slutte os til, og med dem i baghovedet kan vi forstå, hvordan denne eller hin scene skal være morsom eller skarp. Hvis man som biografgænger har en idé om at film helst skal fungere nogenlunde selvstændigt går man forgæves hos Tati. Filmen har ingen rytme, dramaturgien halter, den er kedelig og fortænkt. Play Time fungerer ikke som film, og det er Jacques Tatis skyld.

Pinlig tavshed adskiller sig fra stilhed eller anden tavshed, derved at den baserer sig på en spænding. En tavshed bliver pinlig når to mennesker tier men vil tale, når luften emmer af det usagte. I film kan pinlig tavshed fungere fint og udstille kommunikationsproblemer, skildre karakterer, udfordre publikum etc. Men det kan også bare være helt og aldeles akavet og pinligt. Sådan er tavsheden i Play Time. Filmen er på en gang stum og ikke stum. Jeg ved ikke om det skyldes, at Tati alligevel ikke er helt sikker på, hvad han vil? I nogle scener får den hele slapstickstumfilmsarmen, i andre kan både Hulot og de andre personer tale (selvom alt mumles). Slapstickscenerne fungerer dårligt fordi det er svært at lave god slapstick, og fordi de svømmer i pinlig tavshed; kald mig konservativ, men når en man glider i bananskræl, bør det følges af et eller andet orkesterarrangement, ikke af diffus baggrunds/real-lyd. I de snakkende scener er det ikke til at forstå eller høre, hvad nogen af menneskerne mener, og de kommer til at fremstå kunstige og akavede. Man vil sige at det netop er pointen: at udstille det absurde i det moderne samfund og bla bla bla. Men Play Time er en film, og vi kan godt tillade os et minimum af forventning til at den vil fungere som film. Jeg er selv ret overbevist om at den ville have fungeret bedre som én lang Woody Allen-monolog; her ville Allen genfortælle filmen anekdotisk og fremhæve eksempler på virkelig skarpe scener. Ærgerligt at sådanne ikke kunne være med i Tatis film.

Den værste pinlige tavshed opstår mellem lærred og publikum. Filmen nægter at levere en vits eller pointe så overbevisende, at vi kan nyde den; vi sidder i stedet og krummer tæer eller keder os. Vi vil så gerne grine af legenden Tati, men hver gang vi reflekteret opdager en vits, bliver latteren forceret. Selv slutscenen er mærkeligt uforløst og da musikken løber ud uden 'slut'-skilt, kigger vi ned i gulvet til den sidste pinlige tavshed. Der er masser af gode ideer i Play Time, men ligesom i Jour de Féte (1949) er Tati ude af stand til at forløse én eneste filmisk. Han burde have hyret en instruktør.

The Bedroom Window - en spændende spændingsfilm



The Bedroom Window (1987)


Instruktør: Curtis Hanson
Manuskript: Curtis Hanson (baseret på Anne Holdens roman)


Bedroom Window hedder ikke Rear Window, til gengæld deler den voyeur-tematik og suspense-elementer med Hitchcocks mesterværk. Der er ikke tale om en stor film, men om en lille spændingsperle fra 80erne. Filmen starter i en mørk by til rytmerne af halvhjertet synthesizermuzak. Vores opmærksomhed fanges, da kameraet finder og entreer en lejlighed, hvor en ung man i smoking febrilsk rydder op. Hvad foregår her? Han skal have besøg, men af hvem og hvorfor? Er det ved at gå galt, er det ved at gå godt?


Vi finder snart ud af at det går vældig godt for vores hovedperson Terry (Steve Guttenberg), som efter at have ryddet op får besøg af den smukke Sylvia (Isabelle Huppert). Hun er hans boss' kone men det forhindrer dem ikke i at have sex og kyssenysse. Til gengæld forhinder det hende i at viddne, da hun ser et mord fra Terrys bedroom window mens han er på toilet. I så fald vil deres affære nemlig afsløres. Som den romantiske og retskafne 80erhelt Terry er (og ja, jeg mener virkelig at det er et typisk 80erheltetræk, Tom Cruise har spillet den rolle igen og igen, den bløde og lidt dumme mand med en ret pæn overkrop... der er ikke meget Brando, Dean, Bogie whatever over det. Men rent plot-device-mæssigt er det selvfølgelig en fantastisk helt...) vælger han at vidne for Sylvia. Terry lader som om, det var ham, der så overfaldet. For bevares, hvilken forskel kan det gøre?


Ak, så naivt kan man kun ræssonere, hvis man ikke ved at man er med i en spændingsfilm. Selvfølgelig bliver Terry viklet ind i en velkonstrueret ond cirkel af løgn. Det fører til spændingsscener en masse og lader Curtis Hanson rulle sig ud som den dygtige instruktør han (i hvert fald teknisk) er. Hanson har senere lavet den vellykkede L.A. Confidential. Allerede i 1987 kunne man måske have forudset at der ville blive noget af Hanson, denne grønne instruktør. Mindst 3 scener bør give tilskueren ideen.


Dels er der en vellykket, lang steadicam-scene, den slags laver stort set kun ambitiøse instruktører, og scenen fungerer i øvrigt upåklageligt. Derudover er der en herlig lille suspense-scene, godt tænkt og fint udført: politiet er hjemme hos Terry og forhøre ham. Var Terry alene da han så overfaldet? Jups. Ryger Terry? Nej, ellers tak. Må cop#2 godt tænde en smøg? Ja da. BANG åh nej, zoom ind på askebægret Sylvia brugte og hendes pakke smøger... Meget simpelt, meget effektivt. Kort efter en rekonstruktion af et mord: Terry fortæller på gerningsstedet om en teori, hans stemme bliver til voice-over, og pludselig befinder vi os midt i en drabsscene. Desuden er der en virkelig god retssalsscene med
Wallace Shawn (som næsten altid er god) som forsvarsadvokat.


Plottet er spændende men måske lovlig langt. Desuden er filmens afsluttende biljagt nok overflødig. Det er også ærgerligt at der ikke er female nudity når det nu er en (voyeur)80erfilm. Der er heller ikke rigtig noget blod og gore (nok for at få en ungdoms-rating) men det gør til gengæld ikke noget. Hanson klarer sig (i mesterens fodspor) så rigeligt uden, og som sådan er filmen også forfriskende at se. Man behøver ikke vise en voldtægt i closeup for at få opbygget en uhyggelig skurkekarakter, og blod er ikke det eneste der er spændende. Se endelig filmen næste gang den kører i TV eller hvad den slags nu gør. Og skulle du engang selv stå i Terrys situation så husk Mark Twains vise ord: When in doubt, tell the truth.